De volledige definitie van de muziek

Muziekportaal

Muziek is een vorm van kunst waarbij sprake is van georganiseerde en hoorbare geluiden en stilte. Het wordt normaal gesproken uitgedrukt in termen van toonhoogte (inclusief melodie en harmonie), ritme (inclusief tempo en meter) en de geluidskwaliteit (inclusief timbre, articulatie, dynamiek en textuur). Muziek kan in de tijd ook complexe generatieve vormen inhouden door de constructie van patronen en combinaties van natuurlijke stimuli, voornamelijk geluid. Muziek kan worden gebruikt voor artistieke of esthetische, communicatieve, amusements- of ceremoniële doeleinden. De definitie van wat muziek is, verschilt naargelang de cultuur en de sociale context.

Als schilderen kan worden gezien als een visuele kunstvorm, kan muziek worden gezien als een auditieve kunstvorm.

Allegorie van muziek, door Filippino Lippi

Allegorie op muziek, door Lorenzo Lippi

Inhoud

1 Definitie

2 Geschiedenis

3 aspecten

4 Productie 4.1 Prestaties

4.2 Solo en ensemble

4.3 Mondelinge traditie en notatie

4.4 Improvisatie, interpretatie, compositie

4.5 Samenstelling

//

[bewerken] Definitie zoals gezien door [http://www.FaceYourArt.com]

Hoofd artikel: definitie van muziek

Zie ook: Muziekgenre

De breedste definitie van muziek is georganiseerd geluid. Er zijn waarneembare patronen in wat in brede zin muziek wordt genoemd, en hoewel er begrijpelijke culturele variaties zijn, zijn de eigenschappen van muziek de eigenschappen van geluid zoals waargenomen en verwerkt door mensen en dieren (vogels en insecten maken ook muziek).

Muziek is geformuleerd of georganiseerd geluid. Hoewel het geen emoties kan bevatten, is het soms ontworpen om de emotie van de luisteraar / luisteraars te manipuleren en te transformeren. Muziek gemaakt voor films is een goed voorbeeld van het gebruik ervan om emoties te manipuleren.

Griekse filosofen en middeleeuwse theoretici definieerden muziek als tonen horizontaal geordend als melodieën en verticaal als harmonieën. De muziektheorie binnen dit domein wordt bestudeerd met de veronderstelling dat muziek ordelijk en vaak aangenaam is om te horen. In de 20e eeuw daagden componisten echter het idee uit dat muziek aangenaam moest zijn door muziek te maken die hardere, donkerdere klankkleuren verkende. Het bestaan ​​van enkele moderne genres zoals grindcore en noise-muziek, die een uitgebreide underground-aanhang genieten, geeft aan dat zelfs de grofste geluiden als muziek kunnen worden beschouwd als de luisteraar zo geneigd is.

De 20ste-eeuwse componist John Cage was het niet eens met het idee dat muziek moet bestaan ​​uit aangename, waarneembare melodieën, en hij daagde het idee uit dat het alles kan communiceren. In plaats daarvan voerde hij aan dat alle geluiden die we kunnen horen muziek kunnen zijn, bijvoorbeeld: “Er is geen geluid, alleen geluid” [3]. Volgens musicoloog Jean-Jacques Nattiez (1990 p.47-8,55): “De grens tussen muziek en lawaai is altijd cultureel bepaald – wat impliceert dat, zelfs binnen één samenleving, deze grens niet altijd dezelfde plaats; kortom, er is zelden een consensus … In alle opzichten is er geen eenduidig ​​en intercultureel universeel concept dat definieert wat muziek zou kunnen zijn. ”

Johann Wolfgang Goethe geloofde dat patronen en vormen de basis van muziek waren; hij verklaarde dat “architectuur bevroren muziek is.”

[bewerken] Geschiedenis zoals gezien door [http://www.FaceYourArt.com]

Hoofd artikel: Muziekgeschiedenis

Zie ook: Muziek en politiek

Beeldjes met snaarinstrumenten, opgegraven in Susa, 3e millennium voor Christus. Iran Nationaal Museum.

De muziekgeschiedenis dateert van vóór het geschreven woord en is verbonden met de ontwikkeling van elke unieke menselijke cultuur. Hoewel de vroegste verslagen van muzikale expressie te vinden zijn in de Sama Veda van India en in het 4000 jaar oude spijkerschrift uit Ur, hebben de meeste van onze geschreven verslagen en studies betrekking op de geschiedenis van de muziek in de westerse beschaving. Dit omvat muzikale periodes zoals middeleeuwse, renaissance-, barok-, klassieke, romantische en 20e-eeuwse muziek. De geschiedenis van muziek in andere culturen is ook tot op zekere hoogte gedocumenteerd, en de kennis van “wereldmuziek” (of het gebied van “etnomusicologie”) wordt steeds meer gewild in academische kringen. Dit omvat de gedocumenteerde klassieke tradities van Aziatische landen buiten de invloed van West-Europa, evenals de volksmuziek of inheemse muziek van verschillende andere culturen. (De term wereldmuziek is toegepast op een breed scala van muziek gemaakt buiten Europa en Europese invloeden, hoewel de eerste toepassing ervan, in de context van het World Music Program aan de Wesleyan University, als een term was die alle mogelijke muziekgenres omvatte, inclusief Europese tradities. In academische kringen werd de oorspronkelijke term voor de studie van wereldmuziek, “vergelijkende musicologie”, in het midden van de twintigste eeuw vervangen door “etnomusicologie”, die door sommigen nog steeds als een onbevredigende munt wordt beschouwd.)

Populaire muziekstijlen varieerden sterk van cultuur tot cultuur en van periode tot periode. Verschillende culturen legden de nadruk op verschillende instrumenten, technieken of toepassingen voor muziek. Muziek is niet alleen gebruikt voor amusement, voor ceremonies en voor praktische en artistieke communicatie, maar ook uitgebreid voor propaganda.

Naarmate wereldculturen meer met elkaar in contact zijn gekomen, zijn hun inheemse muziekstijlen vaak versmolten tot nieuwe stijlen. De bluegrass-stijl in de Verenigde Staten bevat bijvoorbeeld elementen uit de Anglo-Ierse, Schotse, Ierse, Duitse en enkele Afrikaans-Amerikaanse instrumentale en vocale tradities, die konden samensmelten in de Amerikaanse ‘multi-etnische’ smeltkroesamenleving.

Er is een groot aantal muziekclassificaties, waarvan er vele verstrikt raken in de discussie over de definitie van muziek. Een van de grootste hiervan is de scheiding tussen klassieke muziek (of “kunst” -muziek) en populaire muziek (of commerciële muziek – inclusief rock-‘n-roll, countrymuziek en popmuziek). Sommige genres passen niet precies in een van deze “grote twee” classificaties (zoals volksmuziek, wereldmuziek of jazzmuziek).

Muziekgenres worden zowel bepaald door traditie en presentatie als door de eigenlijke muziek. Hoewel de meeste klassieke muziek akoestisch is en bedoeld is om te worden uitgevoerd door individuen of groepen, bevatten veel werken die als “klassiek” worden beschreven samples of tape, of zijn ze mechanisch. Sommige werken, zoals Gershwins Rhapsody in Blue, worden opgeëist door zowel jazz als klassieke muziek. Veel huidige muziekfestivals vieren een bepaald muziekgenre.

Er is vaak onenigheid over wat ‘echte’ muziek is: Beethoven-strijkkwartetten uit de late periode, Stravinsky-balletscores, serialisme, jazz, rap, punkrock en elektronica uit het beboptijdperk werden door sommige critici allemaal als niet-muziek beschouwd toen ze werden voor het eerst geïntroduceerd.

[bewerken] Aspecten zoals gezien door [http://www.FaceYourArt.com]

Hoofd artikel: Aspecten van muziek

De traditionele of klassieke Europese aspecten van muziek die vaak worden genoemd, zijn die elementen waaraan in door Europa beïnvloede klassieke muziek voorrang wordt gegeven: melodie, harmonie, ritme, toonkleur of timbre, en vorm. Een meer uitgebreide lijst wordt gegeven door de aspecten van geluid te noemen: toonhoogte, timbre, luidheid en duur. [1] Deze aspecten worden gecombineerd om secundaire aspecten te creëren, waaronder structuur, textuur en stijl. Andere veel voorkomende aspecten zijn de ruimtelijke locatie of de beweging in de ruimte van geluiden, gebaren en dans. Stilte werd lang beschouwd als een aspect van muziek, variërend van de dramatische pauzes in symfonieën uit het romantische tijdperk tot het avant-gardistische gebruik van stilte als een artistiek statement in 20e-eeuwse werken zoals John Cage’s 4’33. ” belangrijkste aspect van muziek omdat het het enige aspect is dat zowel “geluid” als “stilte” gemeen hebben.

Zoals hierboven vermeld, variëren niet alleen de aspecten van muziek, maar ook hun belang. Melodie en harmonie worden bijvoorbeeld vaak als belangrijker beschouwd in klassieke muziek ten koste van ritme en timbre. Er wordt vaak gedebatteerd of er aspecten van muziek zijn die universeel zijn. Het debat hangt vaak af van definities. De vrij algemene bewering dat ‘tonaliteit’ universeel is voor alle muziek, vereist bijvoorbeeld een uitgebreide definitie van tonaliteit.

Een puls wordt soms als een universeel beschouwd, maar er bestaan ​​solo vocale en instrumentale genres met vrije, geïmproviseerde ritmes zonder regelmatige puls; [2] een voorbeeld is de alapsectie van een Hindoestaanse muziekuitvoering. Volgens Dane Harwood: “We moeten ons afvragen of er een intercultureel muzikaal universeel te vinden is in de muziek zelf (of de structuur of functie) of de manier waarop muziek wordt gemaakt. Met ‘musiceren’ bedoel ik dat niet alleen daadwerkelijke uitvoering, maar ook hoe muziek wordt gehoord, begrepen en zelfs geleerd. ” [3]

[bewerken] Productie

Hoofd artikel: muziekindustrie

Muziek wordt voor vele doeleinden gecomponeerd en uitgevoerd, variërend van esthetisch plezier, religieuze of ceremoniële doeleinden, of als entertainmentproduct voor de markt. Amateurmuzikanten componeren en voeren muziek uit voor hun eigen plezier, en ze proberen niet hun inkomen uit muziek te halen. Professionele musici zijn in dienst van een reeks instellingen en organisaties, waaronder strijdkrachten, kerken en synagogen, symfonieorkesten, omroep- of filmproductiebedrijven en muziekscholen. Professionele muzikanten werken ook als freelancers, op zoek naar contracten en opdrachten in verschillende omgevingen.

Hoewel amateurmusici verschillen van professionele musici doordat amateurmusici een niet-muzikale bron van inkomsten hebben, zijn er vaak veel verbanden tussen amateurmusici en professionele musici. Beginnende amateurmuzikanten volgen lessen bij professionele musici. In gemeenschapssituaties treden gevorderde amateurmuzikanten op met professionele muzikanten in een verscheidenheid aan ensembles en orkesten. In sommige zeldzame gevallen bereiken amateurmuzikanten een professioneel competentieniveau en kunnen ze optreden in professionele uitvoeringsomgevingen.

Er wordt vaak onderscheid gemaakt tussen muziek die wordt uitgevoerd ten behoeve van een live publiek en muziek die wordt uitgevoerd om te worden opgenomen en verspreid via het muziekverkoopsysteem of het omroepsysteem. Er zijn echter ook veel gevallen waarin een live optreden voor een publiek wordt opgenomen en gedistribueerd (of uitgezonden).

[bewerken] Prestaties

Hoofd artikel: Performance

Chinese Naxi-muzikanten

Iemand die muziek uitvoert, componeert of dirigeert, is een muzikant. Muzikanten voeren muziek uit om verschillende redenen. Sommige artiesten uiten hun gevoelens in muziek. Het uitvoeren van muziek is een plezierige bezigheid voor amateur- en professionele musici, en het wordt vaak gedaan ten behoeve van een publiek, dat enige esthetische, sociale, religieuze of ceremoniële waarde aan de uitvoering ontleent. Een deel van de motivatie voor professionele artiesten is dat ze hun inkomen halen uit het maken van muziek. Het is niet alleen een drijfveer voor inkomsten, maar muziek is zowel een onderdeel van het leven als van de samenleving geworden. Iemand ook toestaan ​​gemotiveerd te worden door intrinsieke zelfmotivaties, zoals een gezegde luidt “voor de liefde voor muziek.” Muziek wordt ook uitgevoerd in de context van oefenen, als een manier om muzikale vaardigheden te ontwikkelen.

[bewerken] Solo en ensemble

Veel culturen kennen sterke tradities van solo of solistische uitvoering, zoals in de Indiase klassieke muziek, en in de westerse kunstmuziektraditie. Andere culturen, zoals op Bali, kennen sterke tradities van groepsprestaties. Alle culturen bevatten een mengeling van beide, en de uitvoering kan variëren van geïmproviseerd solospel voor iemands plezier tot zeer geplande en georganiseerde uitvoeringsrituelen zoals het moderne klassieke concert of religieuze processies.

Kamermuziek, muziek voor een klein ensemble met niet meer dan één instrument van elk type, wordt vaak gezien als intiemer dan symfonische werken. Een artiest wordt een muzikant of zanger genoemd en ze kunnen deel uitmaken van een muzikaal ensemble, zoals een rockband of een symfonieorkest.

[bewerken] Mondelinge traditie en notatie

Hoofd artikel: muzieknotatie

Muzieknotatie

Muziek wordt vaak alleen in het geheugen en de uitvoering bewaard, mondeling of auditief (“op het gehoor”) overgeleverd. Wanneer de componist van muziek niet meer bekend is, wordt deze muziek vaak geclassificeerd als “traditioneel”. Verschillende muzikale tradities hebben verschillende opvattingen over hoe en waar veranderingen in het originele bronmateriaal moeten worden aangebracht, van vrij strikt tot degenen die improvisatie of aanpassing van de muziek vereisen. In Gambia, West-Afrika, wordt de geschiedenis van het land auditief door middel van zang doorgegeven.

Wanneer muziek wordt opgeschreven, wordt dit over het algemeen genoteerd, zodat er instructies zijn over wat de luisteraars moeten horen en wat de muzikant moet doen om de muziek uit te voeren. Dit wordt muzieknotatie genoemd, en de studie van het lezen van notatie omvat muziektheorie, harmonie, de studie van de uitvoeringspraktijk en in sommige gevallen een begrip van historische uitvoeringsmethoden.

Schriftelijke notatie varieert met stijl en periode van muziek. In Western Art-muziek zijn de meest voorkomende soorten geschreven notatie partituren, die alle muziekdelen van een ensemblestuk bevatten, en delen, die de muzieknotatie zijn voor de individuele uitvoerders of zangers. In populaire muziek, jazz en blues is de standaard muzieknotatie de lead sheet, die de melodie, akkoorden, songteksten (als het een vocaal stuk is) en de structuur van de muziek noteert. Niettemin worden partituren en partijen ook gebruikt in populaire muziek en jazz, vooral in grote ensembles zoals jazz “big bands”.

In populaire muziek lezen gitaristen en elektrische bassisten vaak muziek die is genoteerd in tabulatuur, die de locatie van de te spelen noten op het instrument aangeeft met behulp van een diagram van de gitaar- of bas-toets. Tabulatuur werd ook gebruikt in de barok om muziek te noteren voor de luit, een snaarinstrument met frets.

Over het algemeen wordt muziek die moet worden uitgevoerd, geproduceerd als bladmuziek. Om muziek uit notatie te kunnen spelen, is een goed begrip nodig van zowel de muziekstijl als de uitvoeringspraktijk die bij een muziekstuk of genre hoort. Het detail dat expliciet in de muzieknotatie wordt opgenomen, varieert tussen genres en historische periodes. In het algemeen vereiste kunstmuzieknotatie van de 17e tot en met de 19e eeuw dat artiesten veel contextuele kennis hadden over uitvoerende stijlen.

In de 17e en 18e eeuw duidde bijvoorbeeld muziek die voor soloartiesten werd genoteerd, doorgaans op een eenvoudige, onversierde melodie. Er werd echter verwacht dat artiesten zouden weten hoe ze stilistisch passende ornamenten zoals trillers en beurten moesten toevoegen.

In de 19e eeuw kon kunstmuziek voor soloartiesten een algemene instructie geven, zoals het expressief uitvoeren van de muziek, zonder in detail te beschrijven hoe de artiest dit zou moeten doen. Er werd verwacht dat de uitvoerder zou weten hoe hij tempoveranderingen, accentuering en pauzes (naast andere apparaten) moet gebruiken om deze “expressieve” speelstijl te verkrijgen.

In de 20e eeuw werd de kunstmuzieknotatie vaak explicieter en werd een reeks markeringen en annotaties gebruikt om uitvoerders aan te geven hoe ze het stuk moesten spelen of zingen. In populaire muziek en jazz geeft muzieknotatie bijna altijd alleen het basiskader van de melodie, harmonie of uitvoeringsbenadering aan; muzikanten en zanger worden geacht de uitvoeringsconventies en -stijlen te kennen die bij specifieke genres en stukken horen.

Het “lead sheet” voor een jazzmelodie kan bijvoorbeeld alleen de melodie en de akkoordwisselingen aangeven. Van de uitvoerders van het jazzensemble wordt verwacht dat ze weten hoe ze deze basisstructuur kunnen ‘invullen’ door ornamenten, geïmproviseerde muziek en akkoordbegeleiding toe te voegen.

[bewerken] Improvisatie, interpretatie, compositie

Hoofd artikelen: muzikale compositie, muzikale improvisatie en vrije improvisatie

De meeste culturen gebruiken ten minste een deel van het concept van vooropgezet muzikaal materiaal of compositie, zoals dat in de westerse klassieke muziek wordt gebruikt. Zelfs als muziek nauwkeurig wordt genoteerd, zijn er nog steeds veel beslissingen die een artiest moet nemen. Het proces van een artiest die beslist hoe hij muziek moet uitvoeren die eerder is gecomponeerd en genoteerd, wordt interpretatie genoemd.

De interpretaties van verschillende artiesten van dezelfde muziek kunnen sterk variëren. Componisten en songwriters die hun eigen muziek presenteren, interpreteren net zo goed als degenen die de muziek van anderen of volksmuziek uitvoeren. De standaardreeks van keuzes en technieken die op een bepaald moment en een bepaalde plaats aanwezig zijn, wordt uitvoeringspraktijk genoemd, waarbij interpretatie over het algemeen wordt gebruikt om ofwel individuele keuzes van een uitvoerder aan te duiden, ofwel een aspect van muziek dat niet duidelijk is, en daarom heeft een “standaard” interpretatie.

In sommige muzikale genres, zoals jazz en blues, wordt de uitvoerder zelfs nog meer vrijheid gegeven om te improviseren op een basaal melodisch, harmonisch of ritmisch kader. De uitvoerder krijgt de grootste speelruimte in een speelstijl die vrije improvisatie wordt genoemd, wat materiaal is dat spontaan wordt ‘gedacht’ (ingebeeld) terwijl het wordt uitgevoerd, niet vooropgesteld. Volgens de analyse van Georgiana Costescu volgt geïmproviseerde muziek gewoonlijk stilistische of genreconventies en zelfs “volledig gecomponeerd” bevat vrij gekozen materiaal (zie precompositioneel). Compositie betekent niet altijd het gebruik van notatie, of het bekende enige auteurschap van één persoon.

Muziek kan ook worden bepaald door een “proces” te beschrijven dat muzikale geluiden kan creëren, voorbeelden hiervan variëren van windgong tot computerprogramma’s die geluiden selecteren. Muziek die toevallig geselecteerde elementen bevat, wordt Aleatorische muziek genoemd en wordt vaak geassocieerd met John Cage en Witold Lutosławski.

[bewerken] Compositie

Muzikale compositie is een term die de compositie van een muziekstuk beschrijft. De compositiemethoden variëren sterk van componist tot componist, maar bij het analyseren van muziek worden alle vormen – spontaan, getraind of ongetraind – opgebouwd uit elementen waaruit een muziekstuk bestaat. Muziek kan worden gecomponeerd voor herhaalde uitvoering of het kan worden geïmproviseerd; ter plekke samengesteld. De muziek kan volledig uit het geheugen worden uitgevoerd, vanuit een geschreven systeem van muzieknotatie, of een combinatie van beide. De studie van de compositie werd van oudsher gedomineerd door onderzoek naar methoden en praktijk van westerse klassieke muziek, maar de definitie van compositie is breed genoeg om spontaan geïmproviseerde werken op te nemen, zoals die van freejazzartiesten en Afrikaanse drummers.

Wat belangrijk is om de compositie van een stuk te begrijpen, is om de elementen eruit te halen. Een goed begrip van de formele elementen van muziek kan nuttig zijn om te ontcijferen hoe een stuk precies is opgebouwd. Een universeel element van muziek is hoe geluiden zich voordoen in de tijd, ook wel het ritme van een muziekstuk genoemd.

Wanneer een stuk een veranderend tijdsgevoel lijkt te hebben, wordt het beschouwd als in rubato-tijd te zijn, een Italiaanse uitdrukking die aangeeft dat het tempo van het stuk verandert om te passen bij de expressieve bedoeling van de uitvoerder. Zelfs willekeurige plaatsing van willekeurige geluiden, die optreedt bij muzikale montage, vindt plaats binnen een bepaalde tijd en gebruikt dus tijd als een muzikaal element.

[bewerken] Ontvangst en auditie zoals gezien door FaceYourArt.com

Hoofd artikel: Hoorzitting (gevoel)

Concert in het Mozarteum, Salzburg

Het gebied van muziekkennis omvat de studie van vele aspecten van muziek, inclusief hoe het door luisteraars wordt verwerkt.

Muziek wordt door individuen ervaren in verschillende sociale situaties, variërend van alleen zijn tot het bijwonen van een groot concert. Muziekuitvoeringen nemen verschillende vormen aan in verschillende culturen en sociaaleconomische milieus. In Europa en Noord-Amerika is er vaak een kloof tussen de soorten muziek die als “hoge cultuur” en “lage cultuur” worden beschouwd. Muziek met een hoge cultuur omvat doorgaans westerse kunstmuziek, zoals barokke, klassieke, romantische en moderne symfonieën, concerten en solowerken, en wordt meestal gehoord tijdens formele concerten in concertzalen en kerken, waarbij het publiek rustig zit in stoelen.

Aan de andere kant worden andere soorten muziek, zoals jazz, blues, soul en country, vaak uitgevoerd in bars, nachtclubs en theaters, waar het publiek kan drinken, dansen en zich kunnen uiten door te juichen. Tot de late 20e eeuw was de scheiding tussen “hoog” en “laag” muzikale vormen werden algemeen aanvaard als een geldig onderscheid dat een betere kwaliteit, meer geavanceerde “kunstmuziek” onderscheidde van de populaire muziekstijlen die in bars en danszalen te horen waren.

In de jaren tachtig en negentig voerden musicologen die deze waargenomen kloof tussen ‘hoge’ en ‘lage’ muziekgenres bestudeerden echter aan dat dit onderscheid niet gebaseerd is op de muzikale waarde of kwaliteit van de verschillende soorten muziek. Ze voerden eerder aan dat dit onderscheid grotendeels gebaseerd was op de sociaaleconomische status of sociale klasse van de uitvoerders of het publiek van de verschillende soorten muziek.

Terwijl het publiek voor klassieke symfonieconcerten bijvoorbeeld doorgaans bovengemiddelde inkomens heeft, kan het publiek voor een hiphopconcert in een binnenstedelijk gebied een lager dan gemiddeld inkomen hebben. Hoewel de artiesten, het publiek of de locatie waar niet-kunstmuziek wordt uitgevoerd mogelijk een lagere sociaaleconomische status hebben, kan de muziek die wordt uitgevoerd, zoals blues, hiphop, punk, funk of ska, erg complex zijn en geavanceerde.

Dove mensen kunnen muziek ervaren door de trillingen in hun lichaam te voelen, een proces dat kan worden versterkt als het individu een resonerend, hol object vasthoudt. Een bekende dove muzikant is de componist Ludwig van Beethoven, die veel beroemde werken componeerde, zelfs nadat hij zijn gehoor volledig was kwijtgeraakt. Recente voorbeelden van dove muzikanten zijn onder meer Evelyn Glennie, een veelgeprezen percussionist die al doof is sinds zijn twaalfde, en Chris Buck, een virtuoze violist die zijn gehoor heeft verloren.

  • Leave a Comment